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Tema 1: El absolutismo en Francia

29 septiembre 2017

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La Francia de Luis XIV

Investido de un poder absoluto, Luis XIV, el Rey Sol, se convirtió en el árbitro de la política europea. Un ejército permanente bajo sus órdenes directas le permitió dominar el continente a través de las múltiples guerras en que intervino, al tiempo que Francia se enriquecía e iniciaba su expansión colonial conforme a la teoría mercantilista.

Tres hombres contribuyeron al triunfo del absolutismo en Francia:
El cardenal Richelieu (1582-1642): primer ministro y principal consejero de  su padre Luis XIII (1610-1643), restauró la autoridad del monarca mediante la represión de los hugonotes (protestantes), que se habían sublevado en 1625, y la limitación del poder de la alta nobleza con el nombramiento de gobernadores en las provincias. En política exterior, intentó reforzar el papel de Francia como potencia europea mediante la alianza con los enemigos de la Casa de Habsburgo Austria .

Cuando Ana de Austria se convirtió en regente, llamó como consejero al cardenal Mazarino, que había trabajado al servicio de Richelieu y conocía bien los asuntos de Estado. El cardenal educó políticamente a Luis XIV y, antes de morir, le aconsejó que no confiase en nadie.


El cardenal Mazarino (1602-1661): primer ministro durante la minoría de edad de Luis XIV (1643-1715), continuó la línea del cardenal Richelieu. Su política centralizadora originó la sublevación de la Fronda (1648-1652), impulsada por el Parlamento de París y secundada por los nobles con el objetivo de limitar los poderes de la monarquía.
Jean-Baptiste Colbert (1619-1683): ministro de Hacienda de Luis XIV, se encargó de poner en orden las finanzas reales y de promover el enriquecimiento del Estado. Inspirado por el mercantilismo, impulsó las exportaciones de productos manufacturados franceses como medio para atraer el oro y la plata de otros países. Para ello ordenó construir fábricas y una gran flota mercante y de guerra, e impulsó la fundación de colonias en ultramar.

Expansión comercial y cultural

Conforme a la teoría económica mercantilista, Francia debía crear un imperio colonial que le permitiera disponer de materias primas baratas con las que alimentar la industria.
Para asegurar la ruta de las especias, Colbert fundó la Compañía de las Indias Orientales (1664). La fundación de factorías en Madagascar, Reunión y la India (Pondicherry y Chandernagore) permitió a Francia competir con las colonias holandesas e inglesas.
En América se reforzó la presencia en Canadá, iniciada a principios del siglo XVII con la fundación de Quebec y Montreal, mediante la creación de la Compañía de las Indias Occidentales (1664). Además, a partir de 1682 Francia ocupó la Luisiana.

La grandeza política y militar de la monarquía absoluta se vio acompañada de un periodo de gran esplendor cultural, llamado el clasicismo.
En la pintura y el arte, el Barroco dejó paso a un tipo de arte riguroso y severo regulado por las academias, a las que debían pertenecer todos los artistas. Destacaron los pintores Nicolas Poussin, los hermanos Le Nain y Claudio de Lorena. La arquitectura clasicista quedó definida por el Palacio de Versalles.
En el siglo de la literatura clásica francesa sobresalieron el dramaturgo Molière y los poetas dramáticos Pierre Corneille y Jean Racine. En el terreno de la filosofía y la ciencia brillaron los genios de René Descartes y Blaise Pascal.

El Rey Sol, eje de la política europea

En el exterior, Luis XIV llevó a cabo una política expansionista a costa de los Habsburgo y sus aliados

Construido por Louis Le Vau y Jules Hardouin Mansart, el Palacio de Versalles simboliza el poder absoluto de Luis XIV y es el prototipo del clasicismo barroco. Rodean al palacio unos jardines diseñados por Le Nôtre.

Con el poderoso ejército organizado por el ministro de la Guerra, el marqués de Louvois (1641-1691), y dirigido personalmente por el rey, Francia alcanzó la supremacía europea, en detrimento de España  en el curso de una serie de conflictos bélicos guerras:
Guerra de Devolución (1667): Luis XIV reclamó la soberanía de los Países Bajos y se enfrentó a España y a la Triple Alianza Protestante formada por Suecia, las Provincias Unidas e Inglaterra. Concluyó con la paz de Aquisgrán (1668).
Guerra de Holanda (1672-1678): Luis XIV volvió a atacar a las Provincias Unidas, apoyadas por España, el emperador y los príncipes alemanes. La Paz de Nimega (1678) cedió a Francia el Franco Condado y nuevos enclaves en los Países Bajos.
Guerra de la Liga de Augsburgo (1689-1697): el creciente poderío de Luis XIV puso en su contra al emperador y los príncipes alemanes, España, Inglaterra, las Provincias Unidas y Saboya. Por la Paz de Ryswick (1697), Luis XIV devolvió los territorios conquistados durante la guerra, menos Estrasburgo.
En la Guerra de Sucesión española defendió a su sobrino Felipe de Anjou como candidato al trono español.En la victoria se acordó la renuncia de las aspiraciones de Francia sobre el trono español y su separación.

Versalles:

VISITA VIRTUAL POR VERSALLES

http://www.versailles3d.com/es/en-video/de-louis-xiii-a-la-revolution.html

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Tema 1: La Ilustración

29 septiembre 2017

El Antiguo Régimen:

1) Economía agraria en los países absolutistas

En los países con monarquía parlamentaria (Inglaterra), además de agricultura, la artesanía, el comercio, la banca…

2) Sociedad estamental, presencia de estamentos privilegiados y no privilegiados.

3) Gobierno: Monarquía absolutista, (Despotismo ilustrado), monarquía parlemanetaria ( Inglaterra).

4) La Ilustración.

Todos los vídeos son de visualización voluntaria.

Es el movimiento filosófico, literario y científico que se desarrolló en Europa y sus colonias a lo largo del siglo XVIII llamado siglo de las Luces Representó una importante modernización cultural y el intento de transformar las caducas estructuras del Antiguo Régimen.

La razón es el único medio de conseguir la verdad. Junto con el progreso, constituye el camino para alcanzar la felicidad. Sirve de guía frente a la superstición, el fanatismo religioso y la ignorancia que había en el pueblo.

Muy crítico con la sociedad de su tiempo, destacó por su activa defensa de lalibertad de pensamiento, sobre todo religioso. Criticó el excesivo poder del clero y preconizó una religión basada en la razón y el respeto, alejada del fanatismo y la intolerancia. Fue partidario de un sistema parlamentario que limitase el poder del monarca, así como de un profundo cambio en los valores de la sociedad de sus días

Este tratamiento de la razón tuvo sus fuentes de inspiración en la filosofía de Descartes, basada en “duda metódica” (sólo es considerado verdadero lo que es evidente) y en las leyes generales de la Física de Newton. El Progreso, al que ha de llegarse mediante la Ciencia en combinación con la técnica, permite el avance de la humanidad de manera evolutiva e indefinida. La Naturaleza es el origen de todo lo genuino, verdadero y auténtico. Sin embargo la sociedad pervierte y corrompe al hombre, bueno en estado natural. La principal figura que desarrolla el aspecto social de la Ilustración es Rousseau. La Felicidad es un bien al que todo hombre tiene derecho y constituye un fin en sí misma. La política es considerada como el “arte de hacer felices a los pueblos”.

Montesquieu en su obra “El Espíritu de las Leyes“, propone un Estado establecido sobre la división en tres poderes

El Legislativo, que elabora las leyes y residiría en el Parlamento.El Ejecutivo, que las aplica y es desempeñado por el Gobierno.El Judicial, que ha de velar por su cumplimiento y es detentado por los tribunales de justicia.

C. Clásica T. 2: Religión

27 septiembre 2017

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C. Clásica Tema 1: Creta

24 septiembre 2017

 

 

 

 

 

 

Relación de Minos con CRETA / DÉDALO / PASIFAE / GLAUCO / TESEO / ARIADNA

Fuentes: Homero, Estrabón, Pausanias, Heródoto, Tucídides

Según las diversas fuentes podemos recopilar varias historias que conforman el personaje de Minos. Conocemos que nace Creta y es hijo del dios Zeus (metamorfoseado en toro) y la princesa fenicia Europa. Sus dos hermanos son Radamantis y Sarpedón. Los tres hermanos fueron adoptados por el rey cretense Asterio, marido terrenal de Europa. Tras su muerte, los hijos adoptados lucharon por el trono, y Minos se hizo con él.

Algunas de las historias míticas de Minos se basan probablemente en la situación real de la civilización griega desde 2000 hasta 1450 a.C, cuando parece ser que Creta era el mayor poder de la región. Su cultura se situaba por encima de las demás y su arquitectura destacaba frente al resto. Es la llamada civilización minoica, nombre que recibe en honor del rey Minos. El famoso palacio de Knossos, excavado a principios del siglo XX, tiene su origen en ese periodo y contiene una serie de habitaciones que bien pudieron inspirar el mito del Laberinto.

Se deduce de las historias, una rivalidad constante con Atenas y la zona de Ática, probablemente por intereses comerciales. Su rey, Egeo y el inventor ateniense Dédalo aparecen en sus historias.

Dédalo era un inventor ateniense que había servido al rey con sus inventos pero huyo del Ática tras haber asesinado por celos a su discípulo Talos refugiándose en Creta al servicio de Minos.

La civilización cretense se trata de una sociedad marítima próspera basada en el comercio y la flota (comercial y de guerra)  llamada la talasocracia.  Así pues es natural encontrar que Poseidón viene a ser el dios protector. Cuenta la historia que éste envió un toro blanco salido del mar para que Minos lo sacrificara en su honor, pero el rey desobedeció y le salvó la vida guardándolo en su rebaño.

Minos estaba casado con Pasifae, hija de Helios y soportaba a menudo las infidelidades del rey Minos. Con él había tenido dos hijos: Andregeos y Ariadna.

Poseidón en venganza por la desobediencia hizo que Pasifae se enamorase del toro y tuviese relaciones con él, desembocando en el parto del mounstruo. Dédalo construyó una vaca de madera, dentro de la que se escondía Pasífae y así el toro* se apareaba con la vaca de madera y Pasífae quedó encinta, pariendo un horrible monstruo el Minotauro tenía la cabeza de toro y cuerpo de hombre que se alimentaba de carne humana).  Minos, avergonzado, quiso ocultarlo y pidió a Dédalo que le construyese un laberinto para encerrar al Minotauro. Trasunto de la prohibición de zoofilia por la ley oscura.

*Este toro es el toro que Minos le encargó a Heracles que cazara a este toro en uno de los doce trabajos.

Mientras tanto, Minos se había convertido en uno de los reyes más poderosos del mundo griego, gobernando 90 ciudades entre las que estaba Atenas y otras localidades de Creta.

Para explicar mitológicamente la guerra con Atenas se nos explica a través del relato que explica que el casus belli es la muerte de su hijo Andregeo. Éste había ganado los juegos panatenienses, cosa que suscitó la envidia de sus competidores y de Egeo aprovechó para retarle a luchar contra el toro de Maratón, que asolaba el Ática. La bestia acabó con el príncipe y el rey Minos utilizo la excusa para lanzar su flota contra las costas de Grecia conquistando Megara y aislando a Atenas que sufrió hambres y epidemias. 

De camino a vengar a su hijo, Minos reclutó a muchos aliados y sitió Megara, entre Corinto y Atenas, que estaba gobernada por el invencible rey Nisus. Siempre que conservara tras su pelo un mechón rojo. Su hija Escila se enamoró de Minos y ella decidió entregarle la ciudad cortando el mechón de su padre. Minos sin embargo furioso ante la traición, rechazó el mechón y su amor. Tras conquistar Megara y otorgar unas condiciones de paz ventajosas. Ella se lanzó al mar y se agarró al casco del barco de Minos para transformarse en un ave marina y su padre Nisus convertido en águila la perseguiría eternamente en castigo.

Minos acabó sometiendo a Atenas, pero no por medios militares, sino por la ayuda de Zeus, cuando el Ática fue devastada por terremotos, hambrunas y epidemias. En el relato mítico el rey Egeo de Atenas aceptó los términos impuestos por Minos entre además de tributos, una vez cada nueve años, siete muchachos y siete muchachas de Atenas debían ser sacrificados en honor del Minotauro partiendo en una nave con velas negras.* Esto explicaría un probable tributo económico y también sacrificios humanos a toros animales sagrados o jóvenes para participar en los juegos cretenses.

Teseo, hijo de Egeo quiso partir para liberar la maldición. Cuando llegó a Creta, Ariadana cayó enamorada de él, ofreciéndole ayuda para salir del laberinto  a través de un hilo y la ayuda de Dédalo. Así Teseo mata al Minotauro y parte con Ariadana de regreso a Atenas. Pero tras tener relaciones con ella, la abandona en la isla de Naxos y vuelve solo con la cabeza del minotauro. A su vuelta olvida poner las velas blancas y su padre Egeo anciano piensa que ha muerto cuando la nave vuelve con las velas negras y se suicida en el mar que lleva su nombre desde entonces.* Trasunto de la utilización masculina de la mujer como iniciadora del sexo.

Dédalo, que había ayudado a Ariadna junto a su hijo Icaro, es castigado por Minos y es encerrado en el Laberinto pero consigue escapar gracias a unas alas que él mismo había inventado para él y su hijo. Pero Ícaro las usó mal acercándose demasiado al sol y derritiendo sus alas tras desobedecer a su padre. Después Dédalo se refugió en Sicilia, huyendo de Minos y pidiendo asilo al rey Cócalo que le admitió para servirse de su talento.

Minos le buscó y consiguió encontrarle, pero el rey Cócalo no se lo entregó, por eso Minos decidió sitiar la ciudad de Cárnico hasta que se lo entregase, pero Cócalo le engañó invitándolo a un banquete y ofreciéndole darse un baño antes mientras sus hijas le atendían, así murió abrasado en la bañera con unos tubos que desprendían agua hirviendo.

La muerte de Minos y su hermano Radamantis, al igual que la del rey Eaco de Egina, proporcionó al mundo de los muertos los nombres de los tres jueces de las almas.

 

*Un día, Glauco estaba jugando con una pelota o un ratón y desapareció de pronto. Sus padres consultaron a Apolo o a los Curetes, y recibió la respuesta de que «un prodigio se ha producido entre vosotros: quien lo aclare os devolverá a vuestro hijo». Este oráculo fue interpretado como una referencia a un ternero recién nacido en la manada de Minos. Tres veces al día, el ternero cambiaba de color de blanco a rojo y de rojo a negro. En una versión alternativa, en lugar de un ternero se trataba de una vaca. Poliido advirtió la similitud con la maduración del fruto de la zarzamora y Minos lo envió a buscar a Glauco.

 

 

 

Tema 1 :Introducción Antiguo Régimen

22 septiembre 2017

https://www.goconqr.com/es-ES/p/3525323-Siglo-XVIII–ANTIGUO-R-GIMEN-mind_maps

POLÍTICAMENTE:

Conceptos: La diferencia entre República y Monarquía / Dictadura.

Primero que todo, debemos saber que tanto la Monarquía como la República son formas diferentes en que se gobiernan los Estados. Esto es, porque existen varios tipos de monarquías (absoluta y parlamentaria), en las cuales se define la participación del Rey en el Gobierno.

Monarquía es un régimen político en el cual el Jefe de Estado es un Rey o Monarca que no ha sido elegido en forma democrática, sino que el traspaso de autoridad se da en forma hereditaria, es decir, de padre a hijo sin que intervenga al voluntad popular. En el caso de la República, que también es un régimen político,el Jefe de Estado es un Presidente que ha sido elegido en forma democrática en votación.

El monarca absoluto dirige y controla los tres poderes del estado: ejecutivo, legislativo y judicial, mientras que en el monarca parlamentario comparte voluntariamente sus poderes con el Parlamento. En el caso de la  República, los tres poderes son independientes, siendo el ejecutivo y el legislativo elegidos democráticamente, y el poder judicial lo eligen los miembros del gobierno.

Otra diferencia es que en la Monarquía, el reinado del Rey es vitalicio, a no ser que abdique por razones personales. En la República, el Presidente es elegido por un período determinado, ya sea 4 ó 6 años, después del cual se llama a elecciones nuevamente.

Los tres poderes: legislativo, ejecutivo, judicial.

Tipos monaquía: absoluta y parlamentaria.

Monarquía absoluta: 

 

Monarquía parlamentaria:

EL Antiguo Régimen: Ed. Santillana.

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“El último tango en París” El fin del amor y París según Bacon.

6 junio 2017

 

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Estamos en la recién inaugurada década de los 70, hace un par de años los jóvenes parisinos y medio mundo protesta en las calles, la revolución de la juventud contra el orden establecido de los años 50, la comodidad, la tradición y la burguesía. Surgen con fuerza la liberación sexual y el feminismo. Se cuenta que el director Bernardo Bertolucci vivió en su juventud los acontecimientos del mayo francés y que relata en su película “Soñadores”. Las memorias idealizadas de un cinéfilo empedernido más interesado en el sexo y el cine que en el amor y la revolución política.

Todo esto aparece y subyace en una historia de búsqueda existencial de estos dos personajes. Él (Brando) un maduro americano en París, al que el suicidio de su infiel esposa le hace vagar sin sentido. Ella (María) la joven hija de un militar burgués, que va a casarse con un joven director (Jean Pierre Leaud).

Pero a pesar de los pesares, a pesar de la sacudida violenta de las calles de París y de levantar los adoquines buscando un cambio, todo queda en humo en ese mayo del 68 cuando el presidente de la República, De Gaulle llama a la mayoría silenciosa a protestar pacíficamente y a tomar control de las cosas.

La alegoría que muestra la película es idéntica , a pesar de los pesares y de levantar los adoquines de la piel en una extraordinaria sacudida de violencia y destrucción, con esta reivindicación de revolución sexual en una atípica historia de amor, ésta, la historia sexual es “asesinada” por la propia protagonista al final de la película, cuando decide matar esa “aventura” para finalmente casarse y volver al orden.

La equivalencia es clara, mayo del 68 fracasó y la transgresión en el terreno de las relaciones también.El final es concluyente, ante la declaración por fin de amor del protagonista y la petición de él al fin, de nombrarse por su nombre, ella le dispara.

La película es desagradable, no pretende lo contrario, su lenguaje es violento y visceral para provocar repulsión y podredumbre. La podredumbre existencial, un hombre otrora abandonado al amor. Parece ser que entregó todo a su esposa y ésta le correspondió con las dos traiciones más grandes que un hombre pueda sufrir por parte de una mujer: la infidelidad consabida y el suicidio). Éste hombre ahora lidia con la regencia de un hotel decadente, un hotel donde habita el amante de su fallecida mujer y que es frecuentado por prostitutas, evidencia el crujido de sus plantas de madera vencida y sus moquetas oxidadas sus paredes verdosas de hongos.

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Una joven, Jeanne, queda deslumbrada en la secuencia inicial bajo el puente de ….ésto ya nos da idea del azar, dos desconocidos que se cruzan, una joven que se vuelve ante la imagen de un maduro extranjero llorando. Minutos después coinciden dentro de un apartamento abandonado que se alquila.

Ese lugar, con fuerza telúrica propia, centro de encuentro fortuito, desencadenará las pasión carnal entre ambos. Ante el sintendido y la desazón vital, el personaje de Brando no tiene más conocimiento que el de su propio cuerpo y sentir carnal. La búsqueda a través de la carne de la anulación del dolor espiritual. Ella es joven y romántica, quiere hablar, saber su nombre, conocerle, “armar” una historia. Él se resiste, con evasivas, solo sexo, sin nombres, ni la palabra “amor”.

Paralelamente vemos la historia absurda del amor de la joven con su prometido, un loco director cinematográfico que ve la vida como una película, como un encuadre. Constantemente se filma a sí mismo con su prometida. Filma sus reencuentros, sus besos, sus salidas, donde ella, es su actriz, su musa y su talismán. La vida es cine.

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La elección de Jean Pierre Leaud no es fortuita, el actor que había trabajó con Godard ya había sido el aleter ego –Doinel del propio Truffaut y era un icono de la nouvelle vague. Bertolucci se ridiculiza a sí mismo como artista , más empeñado en trasladar la vida al cine que en vivir mismamente la propia vida. Porque el intelectual no elige la vida, sino el camino de su conocimiento y representación. Él, no parece enamorado de la joven, solo parece enamorado del cine. Ella tampoco parece enamorada, por eso vive la aventura sexual con el maduro Brando en el apartamento ardiente y secretamente.

Pero el camino cada vez más violento y arduo de los encuentros sexuales la lleva al propio abandono. Ella decide finalmente el camino convencional, casarse, incluso tomar como casa ese apartamento de las citas sexuales. Esta confesión, es el desencadenante del cambio en el personaje masculino. Es entonces cuando Brando la busca, cuando la lleva a la calle por primera vez, cuando como un loco baila escatológicamente ese baile en el salón burgués, cuando la persigue hasta la casa de los padres de ella, cuando confiesa su amor y su nombre.

“Nuestros hijos, nuestros hijos…” dice moribundo Brando, en una escena memorable en la que el saxo de Gato Barbieri subraya el caracter de eros y tánatos del film. Los hijos muertos son todas las historias de amor que no subyacen, imposibles.

Esta película no funcionaría jamás si la protagonista que hay detrás, la ciudad, no fuese retratada tan magníficamente. No es el París al que estamos acostumbrados. No es el París del amor, de Hemingway, el París de Audrey Hepburn en el ciclo de películas”Encuentro en París, “Una cara con ángel”, “Charada”, “Como robar un millón”, …porque en cierto modo “el amor” como lo soñamos es como París. Y tal vez París no sea como la soñamos. El verdadero amor no es como lo imaginamos, como lo soñamos, como nos lo mostraron las películas. París sin la Tour Eiffel, ¿dónde está la torre que no aparece en la película? El “amor” sin el idilio, sin la confesión eterna de los nombres, sin la historia bella. Éste París puede ser cualquier parte. El “amor” puede ser cualquier cosa. Por eso las calles de este París parecen impersonales. Pueden ser cualquier ciudad del mundo. Y el amor, hasta podrido, de sus hongos puede brotar en cualquier parte.

Hacía un año que Bertolucci nos llevaba con su “El conformista” de Roma a París en la historia de fascistas asesinos a sueldo enamorados en París. Aquella vez según el director de fotografía todo teñido de azul y naranja.

Se cuenta que aquella pareja Trintignant y Stephania Sandrelli debían haber protagonizado “El último tango” pero ambos se negaron , él por los desnudos, ella por su embarazo.

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Cuenta Storaro que la elección de los créditos iniciales con cuadros del pintor Bacon corresponde a una inspiración que tuvo debido a la exposición que por entonces tenía lugar sobre el pintor en el Gran Palais en 1971. Nos explica como el film se resume en uno de los cuadros, un tríptico donde una pareja de amantes parece ser filmada o fotografiada haciendo el amor, y después, en la última parte parece haber algo corrompido y un periódico en el suelo …que según Storaro se refiere a la crítica que recibió la película. Recordemos que en su época la película tuvo que soportar la censura e incluso la condena a cárcel por temática escabrosa del propio realizador. El feminismo de la época y no sin razón, protestaba acerca de la naturaleza del vejatorio poder masculino sobre la mujer ( él siempre vestido, frente al salvaje desnudo del pubis sin depilar y pechos enormes de María) . Aunque los motivos eran menos profundos, Brando no soportaba a los 48 años ver su vientre grueso en escena por lo cual se vestía.

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Está película tiene dos pilares, sus actores. Respecto a él un consagrado actor se dicen muchas cosas. Cuentan que Brando nunca más quiso hacer una película como ésta porque se sintió violado. Cuenta el propio Brando que Bertolucci como una serpiente le susurraba cómo para interpretar solamente había de sacar su verdadero yo, ser él mismo y confesarse ante la cámara . Cosa que consigue en la escena ante la esposa muerta en la habitación cerrada. Solamente por esa escena por se merece ver la película entera. Se cuenta también que Brando no podía llorar, que pedía un producto lacrimal, pero ni aún así,y que el joven director italiano urgaba en sus heridas, en sus traumas familiares. Hay una escena de un llanto real, donde Brando realmente se ve abocado al llanto porque recuerda una pesadilla que verdaderamente ha tenido días atrás durante el rodaje en la que un huracán se llevaba su isla y su mujer y sus hijos morían.Un presagio de la tormenta existencial que vivió el actor en su vejez. Cuando lo que más amaba su familia fue sacudida por una espiral de violencia inusitada que le mantuvo alejado del mundo. Se dice que estaba arruinado y que para salvar su isla, emprendió una nueva carrera en 1970 con “El Padrino”, y con “El último tango en París” que le llevó a un renacimiento y a las nominaciones de los oscar tras un largo retiro.

Por su parte la actriz María Schenider, que no ha sido tan bien tratada ni en su carrera ni en su vida real, aterrizaba en el cine. Posteriormente seguía su estela en films míticos con “El reportero” de Antonioni, junto a otro maduro americano Nicholson, para estrellarse en el encasillamiento de personajes femeninos que solo aportaban erotismo.Una vida marcada negativamente por el papel que aceptó en 1970 y la persiguió toda su vida públicamente con crisis nerviosas, internamientos en psiquiátricos y que acabó el cáncer prematuramente en 2001.

Tampoco han quedado atrás el anecdotario la temática de la violación de la mantequilla. Al parecer según confesó el director, María no conocía la escena del uso anal con mantequilla al no estar en el guión, y él en consecuencia tras una deliberada búsqueda de veracidad, recordar el “cine verité” del que viene él mismo y al que autoparodia en el personaje de Jean Pierre Leaud, filma la indignación real de la actriz ante las cámaras.

 

 

Piel de serpiente. Tenesse Williams y Sidney Lumet.

6 junio 2017

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“Piel de serpiente” o “The fugitive kid “es el trasunto de la obra teatral de Tennessee Williams “Orpheus descending”, un título más adecuado (1957)por la propia simbología que está inspirado en su propia obra “Battle of Angels” (1940), y que él mismo guioniza junto a Meade Roberts . Dirigida por Sidney Lumet que fue galardonado mejor director en 1960 en Festival de San Sebastián. Destacarñia su fotografía de Boris Kaufman (“La ley del silencio”), en su claustrofófico blanco y negro , acentuado gris deinteriores presivos , que nos llevan a los vericuetos del alma, como un gusano asiste al decsubriiento de la madriguera de tantos sentimientos contrapuestos.

Si hablamos de Tennesse Williams hablamos del sur de Estados Unidos y hablamos por tanto de el autor mismo disfrazado en su personajes, de la vida podrida de la intolerancia, del sudoroso estado cálido, de la camiseta corta, del deshabillé de las combinaciones de maduras descarnadas y descalzas , de la murmuración del vecino, del deseo en los pantanos, del clasismo social, de la supremacía de la raza blanca en sus tierras cultivadas por sus esclavos forzosamente liberados tras la perdida de la guerra por parte de los confederados… Es decir viajamos por tanto a una localización exacta, que conocemos tan bien en parte a autores que hacen de su ecosistema un micromundo universal. El caledoscopio de las relaciones humanas en dicho entorno es la labor minuciosa, nunca fría ni objetiva del encharcado Williams. Porque el mismo participa de las pasiones de sus propios personajes, las conoce tan bien puesto que participa de ellas, que podemos palmarlos a traves de sus manos.

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La obra está repleta de frases y simbología. Desde el título que alude a la característica cambiante del personaje de mudar la piel según las circunstancias para adaptarse al medio, hasta la connotación sexual y pecaminosa del animal tentador en el Edén. El diablo que trae la manzana de la discordia al jardín establecido en este caso la localidad de Two Rivers.

Sacar lo hermoso de todo este ambiente decadente y corrupto, es la tarea del artista. Así se refiere Snake (Brando) al sentido que ha dado para la señora Talbot el descubrimiento de la pintura. Así la psicoanaliza el personaje puesto que le habla de la realidad de lo que él mismo conoce (tal cual hace el escritor Tenesse Williams con nosotros).

Valentine ‘Snakeskin’ (Marlon Brando) es un personaje sin pasado ni futuro, vaga como un pájaro sin alas que no sabe donde posarse (otra de las frases del film). Un “músico” (?) callejero de Nueva Orleáns, decimos músico (?) porque aún sin tocar ni cantar ni un solo acorde ante nosotros, porta y pasea su guitarra sin funda durante cerca de los 110 minutos de película. Lleva una vida particular. Asistimos en la intro al film a un juicio tras pasar una noche en el calabozo.

El de Brando, es un personaje marginal, rebelde, incomprendido…( una mezcla del personajes en los que se desenvuelve muy bien  el actor de Un tranvía llamado deseo y el Salvaje ). Representa la turbadora belleza bruta masculina, la juventud carnal inasible del deseo femenino (algo que también conocía bien Williams  es conocido su inagotable apetito sexual y su voracidad continua de jóvenes amantes.

La toma de vista en cámara subjetiva del punto de vista del juez nos muestra la declaración de Snakeskin (magistral intrepretación  de Brando llena de silencios, de pausas y miradas evasivas nunca de frente, donde se defiende ante un juez pero no se sabe de qué, ni qué es exactamente lo que estaba haciendo la noche de su detención. Se trata de un asunto de exhibicionismo?, o  ¿se trata de altercado callejero? , ¿proxenetismo? …lo único que queda claro es el arrepentimiento del personaje y su promesa de abandonar el lugar donde se encuentra.

Un personaje que no tiene nada más que su guitarra y su chaqueta de piel de serpiente.

En el generique asistimos ya magistralmente a la narración aprovechando los títulos iniciales de crédito, vemos como Brando es trasladado en coche a otra ciudad como un “vaga-mundo” más. Se detiene en Two Rivers, estamos en pleno Mississippi. Las tormentas húmedas contrastan con el calor de las pasiones. Todo puede confundirse bajo la piel.

Las mujeres otoñales como las llama la película arden en deseos insatisfechos de vida pasadas que no vinIeron a ser nada más que humo y dolor y aburrimiento. Es el caso de la excelente secundaria señora Talbot (Maureen Stapleton), esposa del sheriff (M.R. Armstrong), que deja pasar la  primera noche en Two Rivers a a Snakenin (Brando), que ha ido a parar en su fatum a casa del sheriff del lugar. La esposa le deja pasar la noche en la celda de la cárcel, mientras su esposo  y sus ayudantes dan caza humana a un preso huído por descuído de ella.

La canción ” Negro no dejes que el sol se ponga en esta ciudad”, trasmite perfectamente el aire de cacería humana, no solo del negro sino del marginal, de todo aquel que no es bien recibido o que altere el orden de la comunidad. Para eso están los “vigilantes” , trasunto del KuKluxKlan.

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Los vigilantes, amantes del fuego purificador, ya habían asesinado “quemando” vivo al padre negro de la otra protagonista la madura italiana Lady (Anna Magnani) ante su traumatizada mirada cuando esta era sólo una niña. Luego llegó a ser la esposa del propietario de la única tienda de la población Torrance. Él, un enfermo encamado, que sospecha de todo y desprecia a su mujer, forma parte de la recelosa red . Ella soporta con desencanto la vida mientras arde bajo el último rescoldo de la edad su deseo.

Cuando llega Snakeskin, éste le pide trabajo a cambio de favores no desvelados. Ella acepta desasosegadamente.

Los acontecimientos se suceden, y la galería de secundarios esplçendida, se engalana con la aparición en esecena de un a desequilibrada joven Carol Cutrere (Joanne Woodward), una joven alcohólica , víctima de su razón estrafalaria y de los abusos masculinos de quienes la rodean, protegida por su hermano, vapuleada por todos que cae rendida ante la aparición del príncipe Snakeskin que acaba abandonándola.

Una vez consigue trabajo en la tienda de Lady Torrance (Anna Magnani), suben las ventas de las compulsivas féminas del lugar y comienzan los celos del marido enfremo, que conspira con el sheriff cómo acabar con su nuevo empleado y su mujer.

Realmente. ¿es pasión, deseo, o amor? Parece que el personaje sde Snakeskin se siente humillado ante la proposición de Lady de que se quede instalado en la parte de atrás de la tienda como parte del trato en elq ue entraría la utilización de sus servicios carnales. Pero luego, es él mismo quien confiesa su amor y deseo de escapar con ella tras haber sido advretido por el sheriff de que abandone antes del día la ciudad o s no será tarde. Y sin embargo es ella (Magnagni) la que prefiere salvaguardar todo lo que se ha “trabajado” en vida , prefieriendo la felicidad material del negocio que espera tras la muerte de su marido a la fugacidad pasajera de la pasión de un joven que vaya a abandonarla. Ahora ha decidido dar riendas a sus sueños montando su propio negocio la apertura de una confitería. Pero tras las sospechas adulterio, su marido incendia la casa (otra vez el fuego purificador) y el negocio para intentar asesinar a los amantes que están adentro.

Es la ley del sur, la violencia a quien no acata el orden ancestral impuesto por la tradición.No hay lugar para quien no es aceptado. No hay redención futura en Carol Cutrere que vaga en su insatisfecha locura para escapar de la tierra que le ata.

Lo vemos con el propio Brando en la “Jauría humana”, “Arde Misssissipi” o la reciente “Selma”.

La sola diferencia es que los negros aparecen como elemento decorativo, ocupando terceros planos , como esquinas de la pobreza y miseria. Recordemos el desempleo, la marginalidad, al desocupar sus puestos y casas tras la abolición de la esclavitud, que además se subrayó en la segregación.

Es la ley del deseo que hace oscilar sus marionetas bajo su podredumbre, en lo más profundo del pozo de una nación, bajo una tradición sureña pesada, podrida que controla las almas y los destinos de sus habitantes.

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Sidney Lumet y Brando